北米のレコード・プロデューサー、作曲家、ミュージシャン。アーティスト育成に情熱を注ぎ、ハービー・ハンコック、レッド・ホット・チリ・ペッパーズ、サウンドガーデン、エアロスミス、マリリン・マンソン、ホール、オジー・オズボーン、ソウル・アサイラムなどのアルバム制作に携わってきました。
インタビュー
マイケル、自分の職業をどのように定義しますか？また、それに対する個人的な考え方はどのようなものですか？
自分がミュージシャンだという考えは、ずいぶん前に捨てました。どちらかというと、プロデュース業に携わっています。
どのように人々と仕事をするかには、さまざまな側面があります。その多くは直感的なもので、彼らが何を必要としているかを理解しようとするものです。また、すべての人が私と同じように感じているわけではないが、私のアプローチは、アーティストを通して何らかの進化や成長があるはずだという意味でユニークだと思います。だから私の追求の一部は、アーティストの成長をプロセスの中で手助けすることなんです。そのために、アーティストが音楽的に成長するのを助けると同時に、表現的に自分自身を見つけ、作っている特定のプロジェクトにその成長を反映させるようなオーディオ・シグネチャーや何かを捉えようとしている。そして、似たようなことをやっている他のアーティストの中で、何らかの形で彼らを際立たせるのです。
最近の人々は、アーティストをコンテンツ・クリエイターとみなしている、つまり、自分たちがやっていることは何でも吐き出していると考えている場合が多いですね。しかし、成長や発展には焦点が当てられていません。過去には、アーティストが個人的な表現においてさまざまな時期を経験し、人生経験が彼らに襲いかかり、彼らの表現方法ややっていることが変化し、年齢が彼らに影響を与え、彼らは違ったことをやり始めました。すべてのアーティストは、発展し成長する可能性を持っています。音楽アーティストの完璧な例がデヴィッド・ボウイです。彼は実にさまざまな時期を経験し、さまざまな仮面をつけては外し、進歩しました。今日、このような成長は奨励されていません。むしろ「抑圧」されていると言っていいくらいです。音楽業界は、アーティストの育成にあまり時間を割いてくれません。その理由のひとつは、もしアーティストが現在のように聴衆を喜ばせるようなものに成長しなければ、人気があったとしてもレコードが売れなくなる可能性が高いからです。レコードが売れなくなれば、そのレコード会社にとって存続できなくなるし、役に立たなくなります。だから、少なくともレコード会社の人たちにとっては、アーティストがある一定のレベルに達すると、ある種の停滞状態に保つことが利益になります。
私の仕事は、ある意味で、アーティストがその時々に必要な自分になる手助けをすることだと感じています。そして、それは多くの観察であり、多くのリスニングです。メソッド演技というか、役になりきるというか、そういう感じです。誰かに何かを押し付けようとはしていません。どちらかというと、やる気を起こさせたり、励ましたりするような感じです。アーティストに何かを見せたり、アイデアを与えたりするとき、「このアイデアを使いなさい、私のアイデアが一番良いから」と具体的に言うことはありません。というより、「この曲はここが弱いと思うから、これを紹介する。しかし、あなたがもっといい解決策を持っているかもしれない」というようなもので、しばしばそうなります。だから私の役割は、何がうまくいっていないのか、なぜうまくいっていないのかをアーティストに説明し、何ができるかをひとつ例としてあげて、それをアーティストに託すことです。
音質にどの程度の注意を払っていますか？
面白いですね。例えばAudirvānaで音楽を聴くように、すべてのことに言えることですが、何かがより良くなることを理解するためには文脈が必要です。一度、自分が知っているものよりも劇的に改善された何かを聞いたり、経験したりすると、それを忘れたり、聞かなかったりするのはとても難しいです。だから、私の経験では、これまで使っていた音源よりも優れたものを聴くと、そちらに惹かれるようになりました。「どうすればそれを手に入れられるか？」そして、そのための思考の多くは、「こうしたらどうだろう？なぜそれができないのか？」例えば、2インチ8トラックのアナログ録音システムを開発しましたが、これはそれまで誰もやっていなかったので驚きました。トラック幅を広げるだけで、録音と再生の方法が大きく変わり、録音と再生の際の音質がまったく変わってしまうのです。これは、人に見せなければならないことだと思います。もし誰かに何かを提示して、それがどう機能するのか、何をするのか、それが彼らの音楽にどう関係するのか、彼らのレコーディング・プロセスにどう関係するのかを彼らに示すことができれば、ノーとは言わないと思うのです。
"一度、ある方法で何かを聞いたり、経験したりすると、それは自分の知っているものよりも劇的に改善され、それを経験しないようにするのはとても難しく、聞かないようにするのはとても難しい。"
今でも遊びや楽しみで音楽を聴くことはありますか？
もちろんです。自分が取り組んでいる音楽を聴くときと、趣味で聴いている音楽を聴くとき、同じものを探しています。でも、仕事で聴いている音楽でそれを見つけるのは難しいです。だから私の仕事は、「どうすればその要素を取り入れることができるのか？そのために何を加えればいいのか」ということです。しかし、求めているのはある種の感情的な質であり、本当に説得力のあるもの、私の足を止めるようなもの、直感的に体の内側で感じるようなものです。そして、そこに違いや違いはありません。もちろん、構造的な観点からも作品を聴くことができますし、私たちは頻繁にそれを行っています。そして、音楽について非常に分析的になることができます。しかし、そのスイッチを入れる必要があることに気づきました。もう自動的なものではありません。なぜなら、すべてを分析的に聴きたいとは思わないからです。たまにそうなるけど、無視してます！
Audirvānaを使い始めてどのくらいになりますか？発見したときはどう思いましたか？
3年かな。デジタル録音やファイルをできるだけきれいに聴く方法を追求していました。本当に良いと思う再生システムをたくさん見つけたのですが、いつもあちこちに小さな歪みがあり、それが再生音の明瞭さを失わせ、聴いているものの再生の邪魔をしているように感じていました。そこで、自分にとってベストな解決策は何だろうかと、インターネットを駆使して探した結果、Audirvānaに行き着いたのです。Audirvānaで音楽を聴いているとき、不快な共鳴、あるいはピークのような周波数が蓄積して飛び出すような音は聞こえません。確かに、私のシステムで聴いた中で最も透明感のある表現です。だから、Audirvānaに頼るようになったのです。
アップグレードにお金を払う気になれなかったから、できるだけ長くAudirvāna 3.5を使い続けました。「これは素晴らしい！」という感じでした。そして数年後、「どうやらかなりバージョンアップしているようだし、ちょっと試してみようかな」と思ったんです。Audirvāna Studioを聴いて、そして......ああ......聴かないことはできないし、体験しないこともできないんだ。それに付き合うしかない。なんて言ったらいいんだろう？やるしかないんだ！もし誰かが本当に良い仕事をして、お金を払う価値のある製品を作ったのなら、その人がやっていることをサポートするのが私の責任だと思うんです。これは明らかに特殊な製品なので、お金を払ってもいいと思っています。
Audirvānaについて、人に話をすることはありますか？
正直なところ、積極的にやっているわけではない。その理由は、ほとんどの人が私と同じように音楽を聴いていないからです。知っているほとんどの人は、最大でもDAW（デジタル・オーディオ・ワークステーション）で作業していて、すべての音楽はApple Music、つまりiTunesに入っている。音楽プレーヤーを別に持っていても意味がないんです。人は、コンピューターが実際に何をしているかということをあまり考えずに、最も便利なものに引き寄せられる傾向があります。このアプリはあのアプリより音がいいとか、そういうことは考えないんです。
音楽以外で情熱を注いでいることは何ですか？
まあ、5歳の息子がいるんですけどね！私の家族は素晴らしいです。芸術が大好きで、絵を描くことも、ビジュアルアートも大好きです。素晴らしい世界だし、見るものもやることもたくさんあるし、楽しいことは尽きないと思うんです。旅行も最高です。
